{"id":2574,"title":"A Temporary Futures Institute","date_begin":"2017-04-28T00:00:00.000+02:00","date_end":"2017-09-17T00:00:00.000+02:00","location":{"readable":"Antwerpen","latitude":null,"longitude":null},"assets":{"poster":"https://s3.amazonaws.com/mhka_ensembles_production/assets/public/000/035/234/large/ATFI%C2%A9AlexanderLee.jpg?1491478863","poster_credits":"(c)image: M HKA"},"translations":[{"locale":"en","name":"A Temporary Futures Institute","short_description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eNo one knows what doesn\u0026rsquo;t yet exist. But identifying possible, probable and preferred futures can help us understand the present and the past. The plural is important; it reminds us not to try to predict one single future. Just like art, futures studies (also called foresight) wants to be seen as more than a discipline. It is practice and method, a roundabout tour of understanding rather than a straight path to knowledge.\u003c/p\u003e\r\n","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFuturists: Agence Future, Stuart Candy, Center for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies, Mei-Mei Song\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nArtists: Michel Auder, Miriam B\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m, Kasper Bosmans, Simryn Gill, Guan Xiao, Jean Katambayi Mukendi, Alexander Lee, Nina Roos, Darius\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003e Žiūra\u003c/strong\u003e\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003e\u0026lsquo;A Temporary Futures Institute\u0026rsquo; is organised by M\u0026nbsp;HKA within the framework of \u0026lsquo;The Uses of Art\u0026rsquo;, a project by the European museum confederation L\u0026rsquo;Internationale. \u003c/strong\u003e\u003c/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003eNo one knows what doesn\u0026rsquo;t yet exist. But identifying possible, probable and preferred futures can help us understand the present and the past. The plural is important; it reminds us not to try to predict one single future. Just like art, futures studies (also called foresight) wants to be seen as more than a discipline. It is practice and method, a roundabout tour of understanding rather than a straight path to knowledge.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u0026lsquo;A Temporary Futures Institute\u0026rsquo; wants us to think critically about things to come rather than looking back at how previous periods imagined \u0026lsquo;the future\u0026rsquo;. How shall exhibitions stimulate our thinking? Must they become immersive environments to lure us away from our screens? How autonomous will exhibitions, and the art and artists they feature, be in relation to the rest of the world?\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThis exhibition, co-curated by \u003cstrong\u003eAnders Kreuger\u003c/strong\u003e and Dr \u003cstrong\u003eMaya Van Leemput\u003c/strong\u003e, combines visual displays by professional futurists with works (mostly new works premiered here) by contemporary artists, to see what these two contexts might have in common \u0026ndash; and how they might question each other. The exhibition is composed around the \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;four futures\u0026rsquo;\u003c/strong\u003e that Professor \u003cstrong\u003eJim Dator \u003c/strong\u003eof the University of Hawaii proposed in the late 1960s. He identified \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;continued growth\u0026rsquo;\u003c/strong\u003e, \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;collapse\u0026rsquo;\u003c/strong\u003e, \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;discipline\u0026rsquo;\u003c/strong\u003e and \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;transformation\u0026rsquo;\u003c/strong\u003e as generic images we may use to envision preferred futures.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe overall setting for \u0026lsquo;A Temporary Futures Institute\u0026rsquo; is created by \u003cstrong\u003eAlexander Lee\u003c/strong\u003e (French Polynesia, 1974). The painting \u003cem\u003eTe fanau\u0026#39;a \u003c/em\u003e\u003cem\u003e\u0026#39;\u003c/em\u003e\u003cem\u003euna\u0026#39;una nā te Tumu: The Sentinels\u003c/em\u003e, 2017, covers all but two walls in the exhibition and unites three Oceanian motifs: the sea itself; the leaf of the breadfruit tree, transplanted from Tahiti by European colonisers to feed the slaves on their Caribbean plantations; the mushroom cloud referencing nuclear arms tests. \u003cem\u003eThe Botanical Factory III\u003c/em\u003e, 2017, is a series of prints with breadfruit leaves on fabric, made together with visitors to the exhibition. \u003cem\u003ePetroglyphs (Fenua Enata/Terre des Hommes)\u003c/em\u003e, 2017, is an installation whose enlarged ink rubbings of petroglyphs from the Marquesas Islands pit pre-historical visual communication against images of futures \u0026ndash; the working material available to futurists. Supported by Air Tahiti Nui and the Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Academy.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe futurists and artists in the segment of the exhibition dedicated to \u003cstrong\u003econtinued growth\u003c/strong\u003e metaphorically interpret and critique the image of the future as \u0026lsquo;more of the same\u0026rsquo;, as an endlessly continuing process of enrichment and elaboration.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIn the multi-screen video installation \u003cem\u003eConversation Piece\u003c/em\u003e, 2017, \u003cstrong\u003eAgence Future\u003c/strong\u003e (Belgium, consisting of Dr \u003cstrong\u003eMaya Van Leemput\u003c/strong\u003e, 1969, and \u003cstrong\u003eBram Goots\u003c/strong\u003e, 1971) uses tools from the fields of futures studies, communications theory, visual ethnography and the arts to show how experts and ordinary people across the globe talk about their futures. The installation \u003cem\u003eA Timeline in Four Layers\u003c/em\u003e, 2017, introduces the history of futures-oriented thought and practice from which these tools derive. \u003cem\u003eToynbee Convector\u003c/em\u003e, 2016, is a projection of \u0026lsquo;images of a future\u0026rsquo;, photographed in current reality to the detailed instructions of professional futurists.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eNina Roos\u003c/strong\u003e (Finland, 1956) presents \u003cem\u003eRegarding the Point of Restraint\u003c/em\u003e, 2017, a pavilion-like structure displaying a series of five paintings (of which one is a diptych) that seem to pick out \u0026lsquo;lines\u0026rsquo; or \u0026lsquo;threads\u0026rsquo; or \u0026rsquo;strings\u0026rsquo; of action or progress. Supported by Frame, Contemporary Art Finland; courtesy of Galerie Forsblom, Helsinki.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eGustoniai\u003c/em\u003e, 2001\u0026ndash;2016\u0026ndash;ongoing, is named after the village where \u003cstrong\u003eDarius Žiūra\u003c/strong\u003e (Lithuania, 1968) grew up. He revisits it every three years, each time making one-minute silent video portraits of all its inhabitants. Six films, covering a period of 15 years, have been recomposed into a video installation that becomes a \u0026lsquo;human clock\u0026rsquo;.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe second of the \u0026lsquo;four futures\u0026rsquo; could be the most titillating. Who doesn\u0026rsquo;t secretly like to witness things messily falling apart \u0026ndash; at a safe distance, in an art museum? Yet rather than offering graphic representations of doomsday scenarios, this segment of the exhibition looks at the \u0026lsquo;before and after\u0026rsquo; of \u003cstrong\u003ecollapse\u003c/strong\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe London-based\u003cstrong\u003e Center for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies\u003c/strong\u003e is here represented by its director Professor \u003cstrong\u003eZiauddin Sardar\u003c/strong\u003e (Pakistan/UK, 1951) and its deputy director \u003cstrong\u003eJohn A. Sweeney\u003c/strong\u003e (US, 1977). Their installation \u003cem\u003ePostnormal Times\u003c/em\u003e, 2017, shows futures characterised by Contradiction, Complexity and Chaos, where all that was \u0026lsquo;normal\u0026rsquo; has evaporated, while in the \u003cem\u003ePolylogue \u003c/em\u003egame, 2017, collapse demonstrates its potential for new beginnings. Exhibition design by Aine Cassidy and her colleagues at Effusion in London.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMichel Auder\u003c/strong\u003e (France/US, 1944) has been observing the splendour and squalor of metropolitan life since the 1960s. \u003cem\u003e1967\u003c/em\u003e, 1967/2017, a nine-channel video installation based on silent film footage, brings back the youthful optimism of 50 years ago, while three other videos give us under-the-skin glimpses of the American psyche that seem to prefigure both 9/11 and Trumpism: \u003cem\u003eIt\u0026rsquo;s Hard to Be Down When You\u0026rsquo;re Up\u003c/em\u003e, 1978/2005, shot at New York\u0026rsquo;s World Trade Center; \u003cem\u003eVoyage to the Center of the Phone Lines\u003c/em\u003e, 1993, eavesdropping on mobile phone conversations; \u003cem\u003eMixing Up the Medicine\u003c/em\u003e, 2015, a free-form essay film. Courtesy of Martos Gallery NY and Gavin Brown\u0026rsquo;s Enterprise, New York/Rome.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eSimryn Gill\u003c/strong\u003e (Malaysia/Australia, 1959) works in various media to articulate the idea and reality of decay and regeneration \u0026lsquo;beyond entropy\u0026rsquo;. \u003cem\u003eLet Them Eat Potatoes\u003c/em\u003e, 2015, is an installation of multiple potato-prints. \u003cem\u003eMy Own Private Angkor\u003c/em\u003e, 2007\u0026ndash;2009, documents the compositions of glass plates left behind by people stealing aluminium window frames from a deserted housing estate in Malaysia. For \u003cem\u003eWindows\u003c/em\u003e, 2011/2017, Gill turned her camera at the sky outside these unglazed windows. Courtesy of Tracy Williams, Ltd., New York. and Utopia Art Sydney.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nJust as collapse may be both the destruction of a culture or the seed for new growth, a future society based on \u003cstrong\u003ediscipline\u003c/strong\u003e may be organised either from the top down, with ideology as an instrument of control, or from the bottom up, with ideology as common ground.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMei-Mei Song\u003c/strong\u003e (Taiwan, 1966) is Assistant Professor at the Graduate Institute of Futures Studies, Tamkang University, Taipei. She presents a technology-assisted pricing system for consumer goods in a future disciplined society, where items for sale are valued in euros and Carbon Footprint Points and where work is a privilege to be paid for. \u003cem\u003eTime Machine\u003c/em\u003e, 2017, is a role-play exercise instructing participants to \u0026lsquo;look back before looking forward\u0026rsquo;. Graphic design by Duanduan Hsieh and Pieter Boels.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe two artists in this segment of the exhibition have submitted themselves to highly disciplined working protocols. \u003cstrong\u003eMiriam B\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m\u003c/strong\u003e (Sweden, 1967) shows four tapestries from the series \u003cem\u003eNew Enter Image\u003c/em\u003e, 2016\u0026ndash;ongoing. These large images, based on multiple high-definition digital photographs of textiles or humble everyday objects and woven on computerised jacquard looms, articulate the impossibility of central perspective in digital reality. We are already inside the image; we have become the image. Supported by Iaspis, the Swedish Arts Grants Committee, Marabouparken konsthall in Sundbyberg, Sweden, and Kvadrat; courtesy of Galer\u0026iacute;a Elba Ben\u0026iacute;tez, Madrid.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIn three new paintings, \u003cstrong\u003eKasper Bosmans\u003c/strong\u003e (Belgium, 1990) foregrounds his preference for the pictogram as a mode of action. \u003cem\u003eLegend: A Temporary Futures Institute\u003c/em\u003e, 2016, and \u003cem\u003eThe Four Futures Frieze\u003c/em\u003e, 2017, the latter executed on the vertical walls of a skylight, offer a tongue-in-cheek translation of Jim Dator\u0026rsquo;s \u0026lsquo;four futures\u0026rsquo; into a pictorial language. \u003cem\u003eDiscipline\u003c/em\u003e, 2017, is a coral pink gradient ceiling painting doubling as a rendering of disciplined thought. Bosmans also designed the custom-made furniture for the exhibition in collaboration with Anders Kreuger. Courtesy of and support from Gladstone Gallery, New York/Brussels.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIt is befitting that most people\u0026rsquo;s \u0026lsquo;favourite\u0026rsquo; among the four futures should signify the perhaps most diverse part of this exhibition. \u003cstrong\u003eTransformation\u003c/strong\u003e is a dynamic process, with a hopeful ring to it, but its results are singularly unpredictable, especially if we consider the transformative interaction between men and machines that has been going on for at least 250 years.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDr \u003cstrong\u003eStuart Candy\u003c/strong\u003e (Australia/Canada, 1980), currently Visiting Professor at the School of the\u2028Art Institute of Chicago, defines himself as a professional futurist and experience designer. His installation \u003cem\u003eNurturePod\u003c/em\u003e, 2017, showcases our increasingly absurd symbiosis with information systems by fitting out an infant with a headset.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eGuan Xiao\u003c/strong\u003e (China, 1983) also comments on this theme with her new video triptych \u003cem\u003eDengueDengueDengue\u003c/em\u003e, 2017. As always, she pins down the abstract with the demonstratively, irreverently concrete. Footage from a feverish, stormy, robotic today is transformed into a \u0026lsquo;panchronic\u0026rsquo; reality where the past, present and future attack us simultaneously. Courtesy of Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nTrained in science and engineering and often presenting machinic objects made from cardboard and coloured paper, \u003cstrong\u003eJean Katambayi Mukendi\u003c/strong\u003e (Democratic Republic of the Congo, 1974) here focuses on the diagrammatic. \u003cem\u003eInertia\u003c/em\u003e, 2017, is an installation with autonomous parts. \u003cem\u003eThe Tree \u003c/em\u003e(his central metaphor, a diagram channeling the transformative energy of the Fibonacci numbers) and \u003cem\u003eThe Chariot \u003c/em\u003eare made of brown cardboard, whereas \u003cem\u003eThe Class\u003c/em\u003e is a text referencing the need to communicate at ever-greater speed, executed in chalk on three blackboards. Supported by Agence Future, Antwerp; courtesy of trampoline, Antwerp.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u0026lsquo;A Temporary Futures Institute\u0026rsquo; will also host temporary presentations. The first is a selection of watercolours by \u003cstrong\u003eIzmail Efimov \u003c/strong\u003e(Republic of Mari El, Russian Federation, 1946), recently acquired for the M HKA collection. Efimov, who first emerged as a socialist realist painter in the mid-1970s, is one of the most original ethno-futurist artists. This term was invented in Estonia in the 1980s and adopted in the Finno-Ugrian regions of European Russia in the 1990s to name a new cultural movement, \u0026lsquo;leaning on the past, working for the future\u0026rsquo;.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe second presentation will appear in mid-June. \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;Prelude: A Weaving Generation\u0026rsquo; \u003c/strong\u003eshowcases objects \u0026ndash; references to ongoing research or models for future projects \u0026ndash; by a new generation of architects in the Low Countries. Produced by the Flemish Architecture Institute, it was originally part of an exhibition at the Deutsches Architekturmuseum in Frankfurt am Main in 2016.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe public programme for \u0026lsquo;A Temporary Futures Institute\u0026rsquo; is a series of workshops addressing specific themes to do with futures: Antwerp, knowledge, diversity, fashion, the welfare state. Each workshop will last three hours and is led by a professional futurist. See the M HKA website (\u003cstrong\u003ewww.muhka.be\u003c/strong\u003e) for more information, and sign up for the workshops at \u003cstrong\u003eatfi@muhka.be\u003c/strong\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nThe international futures conference \u003cstrong\u003e\u0026lsquo;Design, Develop, Transform\u0026rsquo; \u003c/strong\u003etakes place at M\u0026nbsp;HKA on 16\u0026ndash;17 June (\u003ca href=\"https://ddtconference.org/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cstrong\u003eddtconference.org\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e). It is co-organised with the Centre of Expertise Applied Futures Research \u0026ndash; Open Time at the Erasmushogeschool in Brussels.\u003c/p\u003e\r\n"},{"locale":"nl","name":"Een tijdelijk toekomsteninstituut","short_description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eNiemand kan weten van wat nog niet bestaat. Maar het verbeelden van mogelijke, waarschijnlijke en gewenste toekomsten kan ervoor zorgen dat we het heden en het verleden beter begrijpen. Het meervoud is hier belangrijk en helpt ons om niet in de val te trappen de (\u0026eacute;\u0026eacute;n enkele) toekomst te proberen voorspellen. Net zoals kunst is toekomstenonderzoek veel meer dan een discipline. Het is geen rechte lijn naar kennis, maar een praktijk en methodiek die langs bochtige wegen tot inzichten leidt.\u003cbr /\u003e\r\n\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\r\n","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eFuturisten: \u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003eAgence Future, Stuart Candy, Center for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies, Mei-Mei Song\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nKunstenaars: Michel Auder, Miriam B\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m, Kasper Bosmans, Simryn Gill, Guan Xiao, Jean Katambayi Mukendi, Alexander Lee, Nina Roos, Darius Žiūra\u003c/strong\u003e\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003e\u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsteninstituut \u003c/em\u003e\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003ewordt georganiseerd door het M\u0026nbsp;HKA in het kader van \u0026ldquo;The Uses of Art\u0026rdquo;, een project van het Europese museumconfederatie L\u0026rsquo;Internationale.\u003c/strong\u003e\u003c/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003eNiemand kan weten van wat nog niet bestaat. Maar het verbeelden van mogelijke, waarschijnlijke en gewenste toekomsten kan ervoor zorgen dat we het heden en het verleden beter begrijpen. Het meervoud is hier belangrijk en helpt ons om niet in de val te trappen de (\u0026eacute;\u0026eacute;n enkele) toekomst te proberen voorspellen. Net zoals kunst is toekomstenonderzoek veel meer dan een discipline. Het is geen rechte lijn naar kennis, maar een praktijk en methodiek die langs bochtige wegen tot inzichten leidt.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsteninstituut \u003c/em\u003ezet aan om kritisch na te denken over wat komen gaat in plaats van terug te blikken op hoe vorige generaties zich \u0026lsquo;de toekomst\u0026rsquo; inbeeldden. Op welke manier zullen tentoonstellingen ons denken prikkelen? Moeten het totaalervaringen worden die ons weglokken van ons scherm? Hoe autonoom zullen kunst en kunstenaars zijn ten opzichte van de rest van de wereld?\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDeze tentoonstelling, gecureerd door \u003cstrong\u003eAnders Kreuger\u003c/strong\u003e en Dr. \u003cstrong\u003eMaya Van Leemput\u003c/strong\u003e, combineert visuele displays van professionele futuristen met de werken (voornamelijk nieuwe werken, die hier voor het eerst worden getoond) van hedendaagse kunstenaars, om na te gaan wat hen verbindt en op welke manier ze elkaar in vraag kunnen stellen. De tentoonstelling is opgebouwd rond de \u0026lsquo;\u003cstrong\u003evier toekomsten\u003c/strong\u003e\u0026rsquo; van professor \u003cstrong\u003eJim Dator\u003c/strong\u003e van de Universiteit van Hawa\u0026iuml; die hij eind jaren 1960 naar voor bracht. Hij onderscheidde \u003cstrong\u003evoortgezette groei\u003c/strong\u003e, \u003cstrong\u003einstorting\u003c/strong\u003e, \u003cstrong\u003ediscipline\u003c/strong\u003e en \u003cstrong\u003etransformatie\u003c/strong\u003e als generieke beelden die we kunnen gebruiken om gewenste toekomsten voor te stellen.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nHet decor voor \u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsten instituut\u003c/em\u003e werd gemaakt door \u003cstrong\u003eAlexander Lee\u003c/strong\u003e (Frans Polynesi\u0026euml;, 1974). Het schilderij\u003cem\u003e Te fanau\u0026#39;a \u0026#39;una\u0026#39;una nā te Tumu: The Sentinels\u003c/em\u003e (2017) bedekt alle muren, op twee na. Het brengt drie elementen van Oceani\u0026euml; samen: de zee zelf; het blad van de broodvruchtboom die vanuit Tahiti werd overgebracht naar de Cara\u0026iuml;bische plantages als voedsel voor slaven; en een atomaire paddenstoelwolk waarmee wordt verwezen naar testen met kernwapens. \u003cem\u003eThe Botanical Factory III\u003c/em\u003e (2017) bestaat uit een reeks afdrukken met broodvruchtenbladeren op textiel, gemaakt in samenwerking met bezoekers. In \u003cem\u003ePetroglyphs (Fenua Enata/Terre des Hommes)\u003c/em\u003e (2017), een installatie met uitvergrootte afdrukken van rotstekeningen uit de Marquesas Eilanden, wordt\u0026nbsp; prehistorische visuele communicatie tegenover beelden van de toekomst \u0026ndash; het werkmateriaal van futuristen \u0026ndash; geplaatst. Met de steun van Air Tahiti Nui en Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Academy.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe futuristen en kunstenaars in het deel van de tentoonstelling dat gewijd is aan \u003cstrong\u003evoortgezette groei\u003c/strong\u003e gebruiken metaforen om het beeld van de toekomst als meer van hetzelfde en als een oneindig proces van verrijking en verdieping te interpreten en bekritiseren.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIn de video-installatie \u003cem\u003eConversation Piece\u003c/em\u003e (2017), gebruikt \u003cstrong\u003eAgence Future\u003c/strong\u003e (Belgi\u0026euml;, bestaande uit Dr. \u003cstrong\u003eMaya Van Leemput\u003c/strong\u003e, 1969 en \u003cstrong\u003eBram Goots\u003c/strong\u003e, 1971) instrumenten uit toekomstenonderzoek, communicatietheorie, visuele etnografie en kunst om aan te tonen hoe experten en gewone mensen van over de hele wereld over hun toekomsten spreken. De installatie \u003cem\u003eA Timeline in Four Layers\u003c/em\u003e (2017) introduceert de rijke en gelaagde geschiedenis van toekomstgerichte theorie en praktijk, waar deze instrumenten uit voortkomen. \u003cem\u003eToynbee Convector\u003c/em\u003e (2016) is een projectie van \u0026lsquo;beelden van een toekomst\u0026rsquo;, gefotografeerd in de huidige realiteit volgens gedetailleerde instructies van professionele futuristen.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eNina Roos\u003c/strong\u003e (Finland, 1956) toont \u003cem\u003eRegarding the Point of Restraint\u003c/em\u003e (2017) een reeks van vijf schilderijen (waaronder een tweeluik) in een paviljoenachtige structuur. De schilderijen lijken \u0026lsquo;lijnen\u0026rsquo; of \u0026lsquo;draden\u0026rsquo; of \u0026lsquo;snaren\u0026rsquo; van acties of voortgang te selecteren. Met de steun van Frame, Contemporary Art Finland; courtesy van Galerie Forsblom in Helsinki.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eGustoniai,\u003c/em\u003e 2001\u0026ndash;2016 \u0026ndash; lopend, draagt de naam van het dorp waar \u003cstrong\u003eDarius Žiūra\u003c/strong\u003e (Litouwen, 1968) opgroeide. Om de drie jaar bezoekt hij het dorp, om er stille videoportretten van een minuut van alle inwoners te maken. De zes films, die 15 jaren overspannen, werden verwerkt tot een video-installatie die een \u0026lsquo;menselijke klok\u0026rsquo; vormt.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe tweede van de \u0026lsquo;vier toekomsten\u0026rsquo; zou de meest prikkelende kunnen zijn. Wie wil niet stiekem \u0026ndash; vanop een veilige afstand, in een museum \u0026ndash; getuige zijn van rampspoed? Maar in plaats van de expliciete weergave van de dag des oordeels, werpt dit deel van de tentoonstelling een blik op het \u0026lsquo;voor en na\u0026rsquo; van \u003cstrong\u003einstorting\u003c/strong\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nHet Londense Center for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies wordt hier vertegenwoordigd door de directeur, Professor \u003cstrong\u003eZiauddin Sardar\u003c/strong\u003e (Pakistan/VK, 1951) en de adjunct-directeur \u003cstrong\u003eJohn A. Sweeney\u003c/strong\u003e (VSA, 1977). De installatie \u003cem\u003ePostnormal Times\u003c/em\u003e (2017) toont toekomsten die gekenmerkt worden door contradictie, complexiteit en chaos. Alles wat \u0026lsquo;normaal\u0026rsquo; was, is verdwenen. In het \u003cem\u003ePolylogue\u003c/em\u003e-spel (2017) staat instorting voor een mogelijk nieuw begin. Tentoonstellingsontwerp door Aine Cassidy en haar collega\u0026rsquo;s bij Effusion in Londen.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMichel Auder\u003c/strong\u003e (Frankrijk/VSA, 1944) observeert het grootstedelijke leven in al zijn pracht en verloedering sinds de jaren 1960. \u003cem\u003e1967\u003c/em\u003e (1967/2017) is een negen-kanalen video-installatie gebaseerd op stille filmopnames. Het brengt het jeugdig optimisme van 50 jaar geleden terug. De drie andere video\u0026rsquo;s bieden een glimp van de Amerikaanse psyche voor 9/11 en het Trumpisme: \u003cem\u003eIt\u0026rsquo;s Hard to Be Down When You\u0026rsquo;re Up\u003c/em\u003e (1978/2005) werd gefilmd vanop het New York World Trade Center. \u003cem\u003eVoyage to the Center of the Phone Lines\u003c/em\u003e (1993) bestaat uit onderschepte mobiele telefoongesprekken. \u003cem\u003eMixing Up the Medicine\u003c/em\u003e (2015) is een filmisch essay in vrije vorm. Courtesy van Martos Gallery NY en Gavin Brown\u0026rsquo;s Enterprise in New York en Rome.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eSimryn Gill\u003c/strong\u003e (Maleisi\u0026euml;/Australi\u0026euml;, 1959) werkt in verschillende media. Veel van haar werken bevatten de thema\u0026rsquo;s bederf, herstel en regeneratie \u0026lsquo;voorbij wanorde\u0026rsquo;. \u003cem\u003eLet Them Eat Potatoes\u003c/em\u003e (2015) is een installatie die bestaat uit meerdere aardappelafdrukken. In \u003cem\u003eMy Own Private Angkor\u003c/em\u003e (2007\u0026ndash;2009) documenteert Gill composities van glasplaten die achtergelaten werden door mensen die aluminium raamkozijnen stalen uit een verlaten wooncomplex in haar geboortestad. Voor \u003cem\u003eWindows\u003c/em\u003e (2011/2017), richt ze haar camera op de hemel door ramen zonder glas. Courtesy van Tracy Williams, Ltd. in New York en Utopia Art Sydney.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nNet zoals instorting tegelijk de vernietiging van een cultuur en het zaad voor een nieuw begin zou kunnen betekenen, kan een toekomstige maatschappij gebaseerd op \u003cstrong\u003ediscipline \u003c/strong\u003eenerzijds georganiseerd worden van bovenuit, met ideologie als controle-instrument, of anderzijds van onderuit, met ideologie als voedingsbodem.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMei-Mei Song\u003c/strong\u003e (Taiwan, 1966) is assistent-professor aan het Graduate Institute of Futures Studies, Tamkang University, Taipei. Ze toont een door technologie gedreven prijssysteem voor goederen in een toekomstige, door discipline gedreven maatschappij. De koopwaren worden geprijsd in euro en in Carbon Footprint Points, berekend aan de hand van het profiel van de consument. \u003cem\u003eTime Machine\u003c/em\u003e (2017) is een rollenspel; het gaat uit van \u0026lsquo;terugkijken vooraleer vooruit te kijken\u0026rsquo;. Grafisch ontwerp door Duanduan Hsieh en Pieter Boels.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe twee kunstenaars in dit onderdeel van de tentoonstelling onderwerpen zichzelf aan streng gedisciplineerde werkprocessen. \u003cstrong\u003eMiriam B\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m\u003c/strong\u003e (Zweden, 1967) toont vier tapijten uit de reeks \u003cem\u003eNew Enter Image\u003c/em\u003e (vanaf 2016). Deze grote beelden, gebaseerd op meerdere high-definition digitale fotografie\u0026euml;n van textielen of nederige alledaagse objecten, werden gewoven op computergestuurde jacquardweefgetouwen. Hiermee benadrukken ze de onmogelijkheid van een centraal perspectief in de digitale realiteit. We zitten al in het beeld; we zijn het beeld geworden. Met de steun van Iapsis, de Zweedse kunstbeurs-commissie, Marabouparken konsthall in Sundbyberg, Zweden, en Kvadrat; courtesy van Galer\u0026iacute;a Elba Ben\u0026iacute;tez in Madrid.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIn drie nieuwe schilderijen brengt \u003cstrong\u003eKasper Bosmans\u003c/strong\u003e (Belgi\u0026euml;, 1990) zijn voorkeur voor het gebruik van pictogrammen als vorm van actie naar voor. Met \u003cem\u003eLegend: A Temporary Futures Institute\u003c/em\u003e (2016) en \u003cem\u003eThe Four Futures Frieze\u003c/em\u003e (2017), uitgevoerd op de muren van een lichtkoepel, vertaalt hij met een knipoog de \u0026lsquo;vier toekomsten\u0026rsquo; van Jim Dator naar een schildertaal die zowel zicht- als leesbaar is. \u003cem\u003eDiscipline \u003c/em\u003e(2017) is een sensuele koraal-roze, trapsgewijze plafondschildering die zich ontpopt als kleurrijke interpretatie van gedisciplineerd denken. Bosmans ontwierp ook de meubels voor \u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsteninstituut\u003c/em\u003e in samenwerking met Anders Kreuger. Courtesy van en met steun van Gladstone Gallery, New York/Brussel.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nHet past dat de voor vele mensen \u0026lsquo;favoriete\u0026rsquo; van de vier toekomsten garant staat voor het meest gevarieerde deel van de tentoonstelling. \u003cstrong\u003eTransformatie\u003c/strong\u003e is een dynamisch proces, waarin hoop doorklinkt, maar waarvan de gevolgen bijzonder onvoorspelbaar zijn, zeker als we de transformatieve interactie tussen mens en machine van de laatste 250 jaar in beschouwing nemen.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDr. \u003cstrong\u003eStuart Candy\u003c/strong\u003e (Australi\u0026euml;/Canada, 1980), huidig gastprofessor aan de School of the Art Institute of Chicago, beschouwt zichzelf als een professioneel futurist en ervaringsontwikkelaar. Zijn \u003cem\u003eNurturePod\u003c/em\u003e (2017) belicht onze groeiende absurde symbiose met informatiesystemen door een baby uit te rusten met een headset.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eGuan Xiao\u003c/strong\u003e (China, 1983) geeft in haar nieuwe video, een drieluik genoemd \u003cem\u003eDengueDengueDengue\u003c/em\u003e (2017), haar mening op dit thema. Zoals steeds kan ze het abstracte vatten in het uitdrukkelijk en oneerbiedig concrete. Filmmateriaal uit een koortsachtig, stormachtig en gerobotiseerd heden transformeren tot een \u0026lsquo;panchronische\u0026rsquo; werkelijkheid waar verleden, heden en toekomst ons gelijktijdig aanvallen. Courtesy van Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlijn.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nOpgeleid als wetenschapper en ingenieur probeert \u003cstrong\u003eJean Katambayi Mukendi\u003c/strong\u003e (Democratische Republiek Congo, 1974) een wereld op te roepen van machineachtige objecten, die hij uitvoert in karton en gekleurd papier. Hij richt zich hier op het diagram. \u003cem\u003eInertia\u003c/em\u003e (2017) is een installatie met afzonderlijke onderdelen. \u003cem\u003eThe Tree\u003c/em\u003e (zijn belangrijkste metafoor, een diagram die de veranderlijke energie van de Fibonacci-cijfers vat) en \u003cem\u003eThe Chariot\u003c/em\u003e zijn gemaakt uit bruin karton, \u003cem\u003eThe Class\u003c/em\u003e is een tekst die refereert aan de druk om steeds sneller te moeten communiceren; deze is uitgevoerd in krijt op drie krijtborden. Met de steun van Agence Future, Antwerpen; courtesy van trampoline in Antwerpen.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsteninstituut\u003c/em\u003e bevat ook enkele tijdelijke presentaties. De eerste presentatie is een selectie aquarellen van \u003cstrong\u003eIzmail Efimov\u003c/strong\u003e (Republiek van Mari El, Russische Federatie, 1946), die onlangs werden aangekocht voor de M\u0026nbsp;HKA-collectie. Efimov, die in het midden van de jaren 1970 actief was als socialistisch-realistisch schilder, is nu een van de meest originele etno-futuristische kunstenaars. Deze term werd uitgevonden in de jaren 1980 in Estland. In de jaren 1990 nemen de Fins-Oegrische regio\u0026rsquo;s van Europees Rusland deze term over als naam voor een nieuwe culturele beweging, \u0026lsquo;leunen op het verleden, werken voor de toekomst\u0026rsquo;.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe tweede tijdelijke presentatie zal vanaf midden juni te zien zijn. \u003cem\u003ePrelude: Een wevende generatie \u003c/em\u003estelt objecten van een nieuwe generatie architecten uit de Lage Landen tentoon die refereren aan lopend onderzoek naar en modellen van toekomstige projecten. Deze presentatie maakte deel uit van een tentoonstelling in het Deutsches Architekturmuseum in Frankfurt am Main in 2016 en werd ontwikkeld door het Vlaams Architectuurinstituut.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nHet publieksprogramma bij \u003cem\u003eEen tijdelijk toekomsteninstituut \u003c/em\u003eis een reeks workshops waarin thema\u0026rsquo;s aan bod komen die te maken hebben met toekomsten: Antwerpen, kennis, diversiteit, mode, de welvaartsstaat. Elke workshop duurt drie uur en wordt gegeven door een professionele futurist. Zie de M HKA-website (\u003ca href=\"http://www.muhka.be\"\u003e\u003cstrong\u003ewww.muhka.be\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e) voor meer informatie en schrijf je in voor de workshops via \u003ca href=\"mailto:atfi@muhka.be\"\u003e\u003cstrong\u003eatfi@muhka.be\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe internationale toekomstenconferentie \u003cstrong\u003e\u003cem\u003eDesign, Develop, Transform\u003c/em\u003e\u003c/strong\u003e vindt plaats in het M HKA op 16\u0026ndash;17 juni (\u003ca href=\"https://ddtconference.org/\" target=\"_blank\"\u003e\u003cstrong\u003eddtconference.org\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e). Ze wordt georganiseerd in samenwerking met het Kenniscentrum Applied Futures Research \u0026ndash; Open Time an de Erasmushogeschool, Brussel.\u003c/p\u003e\r\n"},{"locale":"fr","name":"Un institut temporaire des futurs","short_description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003ePersonne ne conna\u0026icirc;t ce qui n\u0026rsquo;existe pas encore. Mais identifier des futurs possibles, probables et pr\u0026eacute;f\u0026eacute;r\u0026eacute;s peut nous aider \u0026agrave; comprendre le pr\u0026eacute;sent et le pass\u0026eacute;. Le pluriel est important\u0026nbsp;; il nous rappelle que nous ne devons pas tenter de pr\u0026eacute;dire \u003cem\u003e\u0026laquo;\u0026nbsp;le\u0026nbsp;\u0026raquo; \u003c/em\u003efutur. Tout comme l\u0026rsquo;art, les \u0026eacute;tudes des futurs (aussi appel\u0026eacute; prospective) sont plus qu\u0026rsquo;une discipline, mais une pratique et une m\u0026eacute;thode, une voie d\u0026eacute;tourn\u0026eacute;e de compr\u0026eacute;hension plut\u0026ocirc;t qu\u0026rsquo;un chemin direct vers la connaissance.\u003cbr /\u003e\r\n\u0026nbsp;\u003c/p\u003e\r\n","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eProspectivistes\u0026nbsp;:\u003c/strong\u003e \u003cstrong\u003eAgence Future, Stuart Candy, Center for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies, Mei-Mei Song\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nArtistes\u0026nbsp;: Michel Auder, Miriam B\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003e\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m, Kasper Bosmans, Simryn Gill, Guan Xiao, Jean Katambayi Mukendi, Alexander Lee, Nina Roos, Darius\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003e Žiūra\u003c/strong\u003e\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003e\u003cem\u003eUn institut temporaire des futurs \u003c/em\u003e\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003eest organis\u0026eacute; par le M HKA dans le cadre de \u0026laquo; The Uses of Art \u0026raquo;, un projet de la conf\u0026eacute;deration de mus\u0026eacute;es europ\u0026eacute;ens L\u0026rsquo;Internationale.\u003c/strong\u003e\u003c/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003ePersonne ne conna\u0026icirc;t ce qui n\u0026rsquo;existe pas encore. Mais identifier des futurs possibles, probables et pr\u0026eacute;f\u0026eacute;r\u0026eacute;s peut nous aider \u0026agrave; comprendre le pr\u0026eacute;sent et le pass\u0026eacute;. Le pluriel est important\u0026nbsp;; il nous rappelle que nous ne devons pas tenter de pr\u0026eacute;dire \u003cem\u003e\u0026laquo;\u0026nbsp;le\u0026nbsp;\u0026raquo; \u003c/em\u003efutur. Tout comme l\u0026rsquo;art, les \u0026eacute;tudes des futurs (aussi appel\u0026eacute; prospective) sont plus qu\u0026rsquo;une discipline, mais une pratique et une m\u0026eacute;thode, une voie d\u0026eacute;tourn\u0026eacute;e de compr\u0026eacute;hension plut\u0026ocirc;t qu\u0026rsquo;un chemin direct vers la connaissance.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eUn Institut Temporaire des Futurs\u003c/em\u003e souhaite nous faire r\u0026eacute;fl\u0026eacute;chir de fa\u0026ccedil;on critique sur les choses \u0026agrave; venir plut\u0026ocirc;t que de porter un regard r\u0026eacute;trospectif sur un avenir imaginaire. Comment des expositions vont-elles stimuler notre pens\u0026eacute;e\u0026nbsp;? Faut-il qu\u0026rsquo;elles deviennent des environnements immersifs pour nous \u0026eacute;loigner de nos \u0026eacute;crans\u0026nbsp;? \u0026Agrave; quel point les expositions, l\u0026rsquo;art et les artistes pr\u0026eacute;sent\u0026eacute;s seront-ils autonomes \u0026agrave; l\u0026rsquo;\u0026eacute;gard du reste du monde\u0026nbsp;?\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nCette exposition, dont le co-commissariat est assur\u0026eacute; par \u003cstrong\u003eAnders Kreuger\u003c/strong\u003e et \u003cstrong\u003eDr\u0026nbsp;Maya Van Leemput\u003c/strong\u003e, combine des dispositifs visuels prospectivistes professionnels et des \u0026oelig;uvres (principalement de nouvelles pi\u0026egrave;ces expos\u0026eacute;es pour la premi\u0026egrave;re fois) d\u0026rsquo;artistes contemporains afin de voir ce que ces deux contextes ont en commun et la fa\u0026ccedil;on dont ils peuvent s\u0026rsquo;interroger r\u0026eacute;ciproquement. L\u0026rsquo;exposition s\u0026rsquo;articule autour des \u0026laquo;\u0026nbsp;\u003cstrong\u003equatre futurs\u003c/strong\u003e\u0026nbsp;\u0026raquo;, que le professeur \u003cstrong\u003eJim Dator\u003c/strong\u003e de l\u0026rsquo;Universit\u0026eacute; d\u0026rsquo;Hawa\u0026iuml; a propos\u0026eacute;s \u0026agrave; la fin des ann\u0026eacute;es\u0026nbsp;60. Il a identifi\u0026eacute; la \u0026laquo;\u0026nbsp;\u003cstrong\u003ecroissance continue\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u0026raquo;, l\u0026rsquo;\u0026laquo;\u0026nbsp;\u003cstrong\u003eeffondrement\u003c/strong\u003e\u0026nbsp;\u0026raquo;, la \u0026laquo;\u0026nbsp;\u003cstrong\u003ediscipline\u0026nbsp;\u003c/strong\u003e\u0026raquo; et la \u0026laquo;\u0026nbsp;\u003cstrong\u003etransformation\u003c/strong\u003e\u0026nbsp;\u0026raquo; comme images g\u0026eacute;n\u0026eacute;riques que nous pourrions utiliser pour envisager des futurs de pr\u0026eacute;dilection.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nL\u0026rsquo;artiste \u003cstrong\u003eAlexander Lee\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1974, Polyn\u0026eacute;sie fran\u0026ccedil;aise) a cr\u0026eacute;\u0026eacute; la sc\u0026eacute;nographie g\u0026eacute;n\u0026eacute;rale de l\u0026rsquo;exposition \u003cem\u003eUn Institut des Futurs temporaires\u003c/em\u003e. \u003cem\u003eTe fanau\u0026#39;a \u0026#39;una\u0026#39;una nā te Tumu: The Sentinels\u003c/em\u003e, 2017, couvre tous les murs, sauf deux,\u0026nbsp;de l\u0026rsquo;exposition et r\u0026eacute;unit trois motifs oc\u0026eacute;aniens\u0026nbsp;: la mer elle-m\u0026ecirc;me\u0026nbsp;; la feuille de l\u0026rsquo;arbre \u0026agrave; pain \u0026ndash; une esp\u0026egrave;ce oc\u0026eacute;anienne introduite par les colonisateurs europ\u0026eacute;ens aux Cara\u0026iuml;bes pour nourrir les esclaves sur les plantations\u0026nbsp;; le champignon atomique qui fait r\u0026eacute;f\u0026eacute;rence aux essais nucl\u0026eacute;aires men\u0026eacute;s dans la r\u0026eacute;gion. \u003cem\u003eThe Botanical Factory III\u003c/em\u003e, 2017, est une s\u0026eacute;rie d\u0026rsquo;impressions sur textile de motifs de feuilles d\u0026rsquo;arbre \u0026agrave; pain r\u0026eacute;alis\u0026eacute;es avec la participation des visiteurs de l\u0026rsquo;exposition. \u003cem\u003ePetroglyphs (Fenua Enata/Terre des Hommes), \u003c/em\u003e2017, une installation de frottis \u0026agrave; l\u0026rsquo;encre repr\u0026eacute;sentant des agrandissements de p\u0026eacute;troglyphes des \u0026icirc;les Marquises, met en regard une communication visuelle pr\u0026eacute;historique et des images de futurs \u0026ndash; le mat\u0026eacute;riel\u0026nbsp;de travail disponible aux futuristes. L\u0026rsquo;installation d\u0026rsquo;Alexander Lee a \u0026eacute;t\u0026eacute; possible gr\u0026acirc;ce au soutien de Air Tahiti Nui et la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Academy.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLes prospectivistes et les artistes du segment de l\u0026rsquo;exposition d\u0026eacute;di\u0026eacute; \u0026agrave; la \u003cstrong\u003ecroissance continue\u003c/strong\u003e interpr\u0026egrave;tent l\u0026rsquo;image du futur de mani\u0026egrave;re m\u0026eacute;taphorique et critique, comme une continuit\u0026eacute;, un processus infini d\u0026rsquo;enrichissement et d\u0026rsquo;\u0026eacute;laboration.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDans l\u0026rsquo;installation vid\u0026eacute;o \u0026agrave; plusieurs \u0026eacute;crans \u003cem\u003eConversation Piece\u003c/em\u003e, 2017, \u003cstrong\u003eAgence Future\u003c/strong\u003e (Belgique, Dr\u0026nbsp;\u003cstrong\u003eMaya Van Leemput\u003c/strong\u003e, \u0026deg;1969, et \u003cstrong\u003eBram Goots\u003c/strong\u003e, \u0026deg;1971) utilise des outils des domaines de la prospective, de la th\u0026eacute;orie des communications, de l\u0026rsquo;ethnographie visuelle et des arts pour montrer la fa\u0026ccedil;on dont des experts et des citoyens ordinaires du monde entier parlent de leurs futurs. \u003cem\u003eA Timeline in Four Layers, \u003c/em\u003e2017, pr\u0026eacute;sente l\u0026rsquo;histoire de la pens\u0026eacute;e et de la pratique futurologiques dont ces outils d\u0026eacute;rivent. \u003cem\u003eToynbee Convector, \u003c/em\u003e2016 est une projection \u0026laquo;\u0026nbsp;d\u0026rsquo;images d\u0026rsquo;un futur\u0026nbsp;\u0026raquo; photographi\u0026eacute;es dans la r\u0026eacute;alit\u0026eacute; actuelle suivant les instructions d\u0026eacute;taill\u0026eacute;es de prospectivistes professionnels.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eNina Roos\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1956, Finlande) pr\u0026eacute;sente \u003cem\u003eRegarding the Point of Restraint\u003c/em\u003e, 2017, une structure pavillonnaire ou elle expose une s\u0026eacute;rie de cinq tableaux (dont un diptyque) qui paraissent mettre en \u0026eacute;vidence des \u0026laquo;\u0026nbsp;lignes\u0026nbsp;\u0026raquo; ou des \u0026laquo;\u0026nbsp;fils conducteurs\u0026nbsp;\u0026raquo; ou des \u0026laquo;\u0026nbsp;ficelles\u0026nbsp;\u0026raquo; d\u0026rsquo;action ou de progr\u0026egrave;s. Avec le soutien de Frame, Contemporary Art Finland\u0026nbsp;; pr\u0026eacute;sent\u0026eacute; avec l\u0026rsquo;aimable autorisation de la Galerie Forsblom, Helsinki.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eGustoniai\u003c/em\u003e, 2001\u0026ndash;2016 \u0026ndash; en cours, porte le nom du village o\u0026ugrave; \u003cstrong\u003eDarius Žiūra\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1968, Lituanie) a grandi. Il y retourne tous les trois ans et y r\u0026eacute;alise des portraits vid\u0026eacute;o muets d\u0026rsquo;une minute de tous les habitants. Les six films, qui couvrent d\u0026eacute;sormais une p\u0026eacute;riode de quinze ans, sont recompos\u0026eacute;s en une installation vid\u0026eacute;o qui devient ainsi une \u0026laquo;\u0026nbsp;horloge humaine\u0026nbsp;\u0026raquo;.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLe deuxi\u0026egrave;me des quatre futurs pourrait \u0026ecirc;tre le plus \u0026eacute;moustillant. Qui ne r\u0026ecirc;ve pas secr\u0026egrave;tement d\u0026rsquo;\u0026ecirc;tre t\u0026eacute;moin de choses qui s\u0026rsquo;\u0026eacute;croulent dans le chaos \u0026ndash; \u0026agrave; distance, bien en s\u0026eacute;curit\u0026eacute; dans un mus\u0026eacute;e d\u0026rsquo;art\u0026nbsp;? Mais plut\u0026ocirc;t qu\u0026rsquo;offrir des repr\u0026eacute;sentations graphiques de sc\u0026eacute;narios catastrophes, ce segment de l\u0026rsquo;exposition se penche sur \u0026laquo;\u0026nbsp;l\u0026rsquo;avant et l\u0026rsquo;apr\u0026egrave;s\u0026nbsp;\u0026raquo; \u003cstrong\u003eeffondrement\u003c/strong\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLe \u003cstrong\u003eCenter for Postnormal Policy \u0026amp; Futures Studies\u003c/strong\u003e, bas\u0026eacute; \u0026agrave; Londres, est repr\u0026eacute;sent\u0026eacute; dans cette exposition par son directeur, le professeur \u003cstrong\u003eZiauddin Sardar\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1951, Pakistan/UK) et son directeur adjoint, \u003cstrong\u003eJohn A. Sweene\u003c/strong\u003e\u003cstrong\u003ey\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1977, USA). Leur installation \u003cem\u003ePostnormal Times\u003c/em\u003e, 2017, pr\u0026eacute;sente des futurs caract\u0026eacute;ris\u0026eacute;s par la contradiction, la complexit\u0026eacute; et le chaos, o\u0026ugrave; tout ce qui \u0026eacute;tait \u0026laquo;\u0026nbsp;normal\u0026nbsp;\u0026raquo; a disparu alors que dans le jeu \u003cem\u003ePolylogue\u003c/em\u003e, 2017, l\u0026rsquo;effondrement d\u0026eacute;montre son potentiel de r\u0026eacute;g\u0026eacute;n\u0026eacute;rescence. Une exposition con\u0026ccedil;ue par Aine Cassidy et ses coll\u0026egrave;gues d\u0026rsquo;Effusion \u0026agrave; Londres.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMichel Auder\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1944, France/USA) observe la splendeur et la mis\u0026egrave;re de la vie m\u0026eacute;tropolitaine depuis les ann\u0026eacute;es\u0026nbsp;60.\u003cem\u003e 1967\u003c/em\u003e, 1967/2017, une installation \u0026agrave; neuf canaux inspir\u0026eacute;e de s\u0026eacute;quences de films muets rappelle l\u0026rsquo;optimisme juv\u0026eacute;nile d\u0026rsquo;il y a cinquante ans alors que trois autres vid\u0026eacute;os nous font entrevoir la psych\u0026eacute; \u0026eacute;tats-unienne qui para\u0026icirc;t pr\u0026eacute;figurer le 11\u0026nbsp;septembre 2001 et le trumpisme\u0026nbsp;: \u003cem\u003eIt\u0026rsquo;s Hard to Be Down When You\u0026rsquo;re Up\u003c/em\u003e, 1978/2005, film\u0026eacute; au World Trade Center \u0026agrave; New York\u0026nbsp;; \u003cem\u003eVoyage to the Center of the Phone Lines\u003c/em\u003e, 1993, une \u0026eacute;coute de conversations intercept\u0026eacute;es sur des t\u0026eacute;l\u0026eacute;phones mobiles\u0026nbsp;; \u003cem\u003eMixing Up the Medicine, \u003c/em\u003e2015, un film exp\u0026eacute;rimental de structure libre. Avec l\u0026rsquo;aimable autorisation des galeries Martos \u0026agrave; New York et Gavin Brown\u0026rsquo;s Enterprise \u0026agrave; New York/Rome.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eSimryn Gill\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1959, Malaisie/Australie) utilise une vari\u0026eacute;t\u0026eacute; de disciplines pour articuler l\u0026rsquo;id\u0026eacute;e et la r\u0026eacute;alit\u0026eacute; de la d\u0026eacute;g\u0026eacute;n\u0026eacute;rescence et de la r\u0026eacute;g\u0026eacute;n\u0026eacute;rescence \u0026laquo;\u0026nbsp;au-del\u0026agrave; de l\u0026rsquo;entropie\u0026nbsp;\u0026raquo;. Celles-ci lui permettent, \u0026agrave; elle ainsi qu\u0026rsquo;\u0026agrave; d\u0026rsquo;autres agents humains, de transformer des cycles ou des processus r\u0026eacute;p\u0026eacute;titifs en moteur de libre arbitre et de cr\u0026eacute;ation, indiquant un \u0026eacute;tat. \u003cem\u003eLet Them Eat Potatoes\u003c/em\u003e, 2015, est une installation de multiples impressions r\u0026eacute;alis\u0026eacute;es avec des empreintes sur pommes de terre. \u003cem\u003eMy Own Private Angkor\u003c/em\u003e, 2007\u0026ndash;2009, montre les compositions de plaques de verre que les gens abandonnent apr\u0026egrave;s avoir vol\u0026eacute; les ch\u0026acirc;ssis de fen\u0026ecirc;tre en aluminium dans un lotissement abandonn\u0026eacute; en Malaisie. Pour \u003cem\u003eWindows, \u003c/em\u003e2011\u0026ndash;2017, Gill a tourn\u0026eacute; son appareil photographique vers le ciel \u0026agrave; partir de ces fen\u0026ecirc;tres d\u0026eacute;pouill\u0026eacute;es de carreaux.\u003c/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003eAvec l\u0026rsquo;aimable autorisation de Tracy Williams Ltd., New York et Utopia Art Sydney.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDe m\u0026ecirc;me que l\u0026rsquo;effondrement peut \u0026agrave; la fois signifier la destruction d\u0026rsquo;une culture et le germe d\u0026rsquo;une nouvelle croissance, une soci\u0026eacute;t\u0026eacute; future disciplin\u0026eacute;e peut \u0026ecirc;tre organis\u0026eacute;e soit selon une approche descendante (\u003cem\u003etop down\u003c/em\u003e), avec une id\u0026eacute;ologie comme instrument de contr\u0026ocirc;le, ou selon une approche ascendante (\u003cem\u003ebottom up\u003c/em\u003e), avec une id\u0026eacute;ologie comme cause commune.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eMei-Mei Song\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1966, Taiwan) est professeure assistante au Graduate Institute of Futures Studies de l\u0026rsquo;universit\u0026eacute; Tamkang \u0026agrave; Taipei. Elle pr\u0026eacute;sente un syst\u0026egrave;me technologique de fixation de prix de produits de consommation dans une soci\u0026eacute;t\u0026eacute; future o\u0026ugrave; les produits \u0026agrave; vendre sont \u0026eacute;valu\u0026eacute;s en euros et en points d\u0026rsquo;empreinte carbone et o\u0026ugrave; le travail est un privil\u0026egrave;ge qu\u0026rsquo;il faut payer. Time, 2017, est un jeu de r\u0026ocirc;le qui donne l\u0026rsquo;instruction aux participants de \u0026laquo;\u0026nbsp;regarder en arri\u0026egrave;re avant de regarder en avant\u0026nbsp;\u0026raquo;. Graphisme par Duanduan Hsieh et Pieter Boels.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDeux artistes de ce segment de l\u0026rsquo;exposition se sont soumis \u0026agrave; des protocoles de travail hautement disciplin\u0026eacute;s, \u003cstrong\u003eMiriam B\u0026auml;ckstr\u0026ouml;m\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1967, Su\u0026egrave;de) pr\u0026eacute;sente quatre tapisseries de la s\u0026eacute;rie \u003cem\u003eNew Enter Image\u003c/em\u003e, 2016 \u0026ndash; en cours. Ces grandes images, inspir\u0026eacute;es de multiples photographies num\u0026eacute;riques en haute d\u0026eacute;finition, repr\u0026eacute;sentent des textiles ou de modestes objets du quotidien. Tiss\u0026eacute;es sur des m\u0026eacute;tiers \u0026agrave; tisser Jaquard, elles articulent l\u0026rsquo;impossibilit\u0026eacute; d\u0026rsquo;une perspective centrale dans la r\u0026eacute;alit\u0026eacute; num\u0026eacute;rique. Nous sommes dans les images\u0026nbsp;; nous sommes devenus les images. Avec le soutien de l\u0026rsquo;Iaspis \u0026ndash; le Comit\u0026eacute; su\u0026eacute;dois d\u0026rsquo;attribution de bourses artistiques, Marabouparken konsthall \u0026agrave; Sundbyberg, Su\u0026egrave;de, et Kvadrat\u0026nbsp;; avec l\u0026rsquo;aimable autorisation de la Galer\u0026iacute;a Elba Ben\u0026iacute;tez, Madrid.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDans trois nouveaux tableaux, \u003cstrong\u003eKasper Bosmans\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1990, Belgique) met en avant sa pr\u0026eacute;dilection pour le pictogramme comme mode d\u0026rsquo;action. \u003cem\u003eLegend: A Temporary Futures Institute\u003c/em\u003e, 2016, et \u003cem\u003eThe Four Futures Frieze\u003c/em\u003e, 2017 \u0026ndash; une \u0026oelig;uvre qu\u0026rsquo;il a ex\u0026eacute;cut\u0026eacute;e sur les murs verticaux entourant une lucarne \u0026ndash; proposent une traduction ironique des \u0026laquo;\u0026nbsp;quatre futurs\u0026nbsp;\u0026raquo; de Jim Dator en langage pictural. \u003cem\u003eDiscipline\u003c/em\u003e, 2017, est un plafond inclin\u0026eacute; peint en rose corail qui fait \u0026eacute;galement office d\u0026rsquo;interpr\u0026eacute;tation chromatique de la pens\u0026eacute;e disciplin\u0026eacute;e. Bosmans a en outre con\u0026ccedil;u, en collaboration avec Anders Kreuger, le mobilier produit sp\u0026eacute;cialement pour l\u0026rsquo;exposition. Avec le soutien et l\u0026rsquo;aimable autorisation de Gladstone Gallery, New York/Bruxelles.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nIl\u0026nbsp;sied \u0026agrave; ce segment de l\u0026rsquo;exposition consacr\u0026eacute; au futur \u0026laquo;\u0026nbsp;pr\u0026eacute;f\u0026eacute;r\u0026eacute;\u0026nbsp;\u0026raquo; de la plupart des gens d\u0026rsquo;\u0026ecirc;tre possiblement le plus divers de l\u0026rsquo;exposition aussi. La \u003cstrong\u003etransformation\u003c/strong\u003e est un processus dynamique, aur\u0026eacute;ol\u0026eacute; d\u0026rsquo;un halo d\u0026rsquo;espoir, bien que ses aboutissements soient singuli\u0026egrave;rement impr\u0026eacute;visibles, surtout si nous consid\u0026eacute;rons l\u0026rsquo;interaction transformative entre l\u0026rsquo;homme et la machine qui se produit depuis au moins 250 ans.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nDr \u003cstrong\u003eStuart Candy\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1980, Australie/Canada), actuellement professeur associ\u0026eacute; \u0026agrave; l\u0026rsquo;\u0026Eacute;cole de l\u0026rsquo;Institut des Arts de Chicago se d\u0026eacute;finit comme prospectiviste professionnel et concepteur d\u0026rsquo;exp\u0026eacute;rience. Son installation\u003cem\u003e NurturePod\u003c/em\u003e, 2017, pr\u0026eacute;sente notre symbiose toujours plus absurde avec des syst\u0026egrave;mes d\u0026rsquo;information en affublant un enfant en bas \u0026acirc;ge d\u0026rsquo;un micro-casque.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cstrong\u003eGuan Xiao\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1983, Chine) commente ce m\u0026ecirc;me th\u0026egrave;me dans son triptyque vid\u0026eacute;o \u003cem\u003eDengueDengueDengue\u003c/em\u003e, 2017. Comme toujours, elle d\u0026eacute;finit l\u0026rsquo;abstrait \u0026agrave; travers le concret d\u0026eacute;monstratif et irr\u0026eacute;v\u0026eacute;rencieux. Des s\u0026eacute;quences d\u0026rsquo;un aujourd\u0026rsquo;hui f\u0026eacute;brile, houleux et robotique sont transform\u0026eacute;es en r\u0026eacute;alit\u0026eacute; \u0026laquo;\u0026nbsp;panchronique\u0026nbsp;\u0026raquo; dans laquelle le pass\u0026eacute;, le pr\u0026eacute;sent et le futur nous attaquent simultan\u0026eacute;ment. Avec l\u0026rsquo;aimable autorisation de Kraupa-Tuskany Zeidler \u0026agrave; Berlin.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nForm\u0026eacute; en science et en ing\u0026eacute;nierie, \u003cstrong\u003eJean Katambayi Mukendi \u003c/strong\u003e(\u0026deg;1974, RDC) pr\u0026eacute;sente souvent des objets-machines en carton et en papier color\u0026eacute;. Ici, il se concentre ici sur le diagramme. \u003cem\u003eInertia\u003c/em\u003e, 2017, est une installation compos\u0026eacute;e d\u0026rsquo;\u0026eacute;l\u0026eacute;ments autonomes. \u003cem\u003eL\u0026rsquo;Arbre\u003c/em\u003e (sa m\u0026eacute;taphore centrale, un diagramme qui remet en question l\u0026rsquo;\u0026eacute;nergie transformative de la suite de Fibonacci) et \u003cem\u003eLe Char \u003c/em\u003esont fabriqu\u0026eacute;s en carton brun alors que \u003cem\u003eLa Classe\u003c/em\u003e, un texte qui fait r\u0026eacute;f\u0026eacute;rence \u0026agrave; la n\u0026eacute;cessit\u0026eacute; de communiquer \u0026agrave; une vitesse de plus en plus \u0026eacute;lev\u0026eacute;e, est \u0026eacute;crit \u0026agrave; la craie sur trois tableaux noirs. Soutenu par Agence Future, Anvers\u0026nbsp;; avec l\u0026rsquo;aimable autorisation de trampoline, Anvers.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\n\u003cem\u003eUn Institut des futurs temporaires \u003c/em\u003eaccueille aussi des pr\u0026eacute;sentations temporaires. La premi\u0026egrave;re pr\u0026eacute;sentation est une s\u0026eacute;lection d\u0026rsquo;aquarelles d\u0026rsquo;\u003cstrong\u003eIzmail Efimov\u003c/strong\u003e (\u0026deg;1946, R\u0026eacute;publique de Mari El, F\u0026eacute;d\u0026eacute;ration de Russie), r\u0026eacute;cemment acquises par la collection du M\u0026nbsp;HKA. Efimov, qui a entam\u0026eacute; sa carri\u0026egrave;re au milieu des ann\u0026eacute;es\u0026nbsp;70, est l\u0026rsquo;un des artistes ethno-futuristes les plus originaux. Ce terme, invent\u0026eacute; en Estonie dans les ann\u0026eacute;es\u0026nbsp;80 et adopt\u0026eacute; dans les ann\u0026eacute;es\u0026nbsp;90 dans les r\u0026eacute;gions finno-ougriennes de la Russie europ\u0026eacute;enne, d\u0026eacute;signe un nouveau mouvement culturel qui \u0026laquo;\u0026nbsp;s\u0026rsquo;appuie sur le pass\u0026eacute; et travaille pour l\u0026rsquo;avenir\u0026nbsp;\u0026raquo;.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLa seconde exposition temporaire d\u0026eacute;butera \u0026agrave; la mi-juin. \u003cstrong\u003e\u003cem\u003ePrelude: A Weaving Generation \u003c/em\u003e\u003c/strong\u003epr\u0026eacute;sente des objets \u0026ndash; des r\u0026eacute;f\u0026eacute;rences \u0026agrave; des recherches en cours ou des mod\u0026egrave;les pour des projets \u0026agrave; venir \u0026ndash; con\u0026ccedil;us par une nouvelle g\u0026eacute;n\u0026eacute;ration d\u0026rsquo;architectes en Flandre et aux Pays-Bas. Produite par l\u0026rsquo;Institut flamand d\u0026rsquo;Architecture, la pr\u0026eacute;sentation faisait partie \u0026agrave; l\u0026rsquo;origine d\u0026rsquo;une exposition au Deutsches Architekturmuseum \u0026agrave; Francfort, en 2016.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLe programme public de l\u0026rsquo;exposition \u003cem\u003eUn Institut des futurs temporaires\u003c/em\u003e se compose d\u0026rsquo;une s\u0026eacute;rie d\u0026rsquo;ateliers qui abordent des th\u0026egrave;mes sp\u0026eacute;cifiques ayant trait aux futurs : Anvers, connaissance, diversit\u0026eacute;, mode, l\u0026#39;\u0026Eacute;tat providence.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nChaque atelier dure trois heures et est anim\u0026eacute; par un(e) prospectiviste professionnel(le). Pour plus d\u0026rsquo;information, veuillez consulter le site du M\u0026nbsp;HKA (\u003ca href=\"http://www.muhka.be\"\u003e\u003cstrong\u003ewww.muhka.be\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e), pour vous inscrire, veuillez envoyer un courriel \u0026agrave; \u003ca href=\"mailto:atfi@muhka.be\"\u003e\u003cstrong\u003eatfi@muhka.be\u003c/strong\u003e\u003c/a\u003e.\u003cbr /\u003e\r\n\u003cbr /\u003e\r\nLa conf\u0026eacute;rence internationale des futurs \u003cstrong\u003eDesign, Develop, Transform \u003c/strong\u003e(\u003ca href=\"https://ddtconference.org/\" target=\"_blank\"\u003eddtconference.org\u003c/a\u003e) aura lieu au M\u0026nbsp;HKA les 16 et 17\u0026nbsp;juin prochains (\u003cstrong\u003eddtconference.org\u003c/strong\u003e). Elle est co-organis\u0026eacute;e par le centre de connaissances Applied Futures Research \u0026ndash; Open Time de l\u0026rsquo;\u0026eacute;cole sup\u0026eacute;rieure Erasmus, \u0026agrave; Bruxelles.\u003c/p\u003e\r\n"},{"locale":"ru","name":null,"short_description":"","description":""},{"locale":"de","name":null,"short_description":"","description":""},{"locale":"es","name":null,"short_description":"","description":""},{"locale":"el","name":null,"short_description":"","description":""}],"actors":[{"id":2068,"name":"Kasper Bosmans","assets":{"poster":"https://s3.amazonaws.com/mhka_ensembles_production/assets/public/000/019/847/large/2013_Muhkademie_Olafur_Eliasson_photo_clinckx14-.jpg?1386595213","poster_credits":"(c)image: M HKA"}},{"id":2475,"name":"Guan Xiao","assets":{"poster":"https://s3.amazonaws.com/mhka_ensembles_production/assets/public/000/023/878/large/opbouw_DON'T_YOU_KNOW_WHO_I_AM_photo_cc22.jpg?1402397421","poster_credits":"(c)image: M HKA"}},{"id":2742,"name":"Jean 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